As 5 indicações para o melhor filme para David di Donatello 2025 para ver
Em 7 de maio, os prêmios David Di Donatello serão entregues. Para se preparar, aqui estão minhas resenhas dos cinco títulos da corrida de Melhor Filme, todos já lançados na sala e agora visíveis em diferentes plataformas. Eles são, para ser mais precisos, quatro filmes e uma série, A arte da alegria por Valeria Golino, que pode participar do David, pois ainda teve uma saída na sala. Aqui estão eles, em ordem alfabética. Uma nota (feliz): Pela primeira vez na história do Davi, três em cada cinco filmes são dirigidos por mulheres.
Os cinco candidatos de melhor filme para David Di Donatello 2025, para ver
Berlinguer – A Grande Ambição. Dirigido por Andrea Segre. Interpretadores: Elio Germono, Elena Radonicich. (Filmes, Prime, Apple TV)
A grande ambição do título refere -se a uma frase de Antonio Gramsci que, em essência, diz que o bom político deve ser um homem de grande ambição, no sentido de que ele deve pensar grande, de um bem maior e coletivo e não do pequeno lucro pessoal. Guiado por esse pensamento, Andrea Segre conta a história humana e política de um caráter histórico como Enrico Berlinguer, diferente em todos e diferente de todos. Ele escolhe um período muito preciso da biografia, que entre 1973 e 1978, ou os anos em que Berlinguer tentou concluir um projeto que previa uma aliança com o primeiro partido italiano, a democracia cristã. O projeto foi chamado de “compromisso histórico” e forneceu precisamente um compromisso entre as duas esferas ideológicas e políticas nas quais a Itália foi dividida desde o período pós -guerra: PCI e DC.
Berlinguer questionou a União Soviética e acabou se tornando um perigo para todos, direita e esquerda, russa e americanos. Sua ambição, seu projeto conciliatório e democrático demais? Os outros tobos demais, incapazes de entender que sempre seria melhor construir em vez de destruir?
O filme de Segre consegue comemorar a originalidade da jornada política de Berlinguer sem fazer um Santino. A história mistura material de ficção e repertório, muito inédita, resultado de um excelente trabalho de pesquisa de Daniele Ongaro. Na parte de reconstrução, entramos na casa de Berlinguer, o vemos com esposa e filhos. Escusado será dizer o quão preciso Elio Germano também está nesta interpretação que nunca é trivialmente imitativa, mas consegue devolver a alma de um homem que, no entanto, pensa, foi equipado com uma inteligência fora da série.
A arte da alegria.Dirigido por Valeria Golino. Interpretadores: Tecla Insolia, Valeria Bruni Tedeschi, Guido Caprino. (Série, 6 episódios, Sky e agora)
A arte da alegria, o livro, escrito nos anos setenta, saiu em primeiro lugar em fragmentos e depois completa, após o momento vinte anos depois. Era um culto ao culto no mundo feminista italiano. A história de Modesta, vítima de um pouco de tudo (patriarcado, igreja, aristocracia), mas também pluriassassina, ambicioso, talvez sexomaníaco ou talvez apenas loucamente livre, é um objeto único em nossa literatura. Seu caminho, de cabras a “Gattopardi”, tem algo brutal, incorreto, não convencional. A modesta não conhece o senso de culpa e não corresponde a nenhum lugar comum: nem órfão pobre, nem princesa, nem femme fatale. A escolha deste material já deixa claro o quanto Valeria Golino, diretor, para sua primeira série, depois que dois excelentes pequenos filmes para cinema (mel, euforia) fazem seriamente.
Sua carreira como atriz cosmopolita, seu talento cheio de nuances e o carisma que ela transmite quando aparece na tela (você viu essa força, que a expressividade coloca nessa única cena de Mary, juntamente com Angelina Jolie?) Torne uma personalidade de alto calibre profissional e artístico.
A longa experiência e preparação de Golino são vistas nesta arte da alegria, onde tudo funciona, do roteiro (do mesmo golino, com Luca Infascelli, Francesca Marciano, Valia Santella e Stefano Sardo) para a música de Toti Guonason. Mas o mais impressionante é a paixão da capital, como um ótimo cineasta, que vibra dentro e fora deste projeto, uma paixão que raramente é encontrada nos filmes dos diretores italianos, cada vez mais renunciada para agradar o sistema ou seu ego ou uma idéia convencional do que pode ser o público.
O tempo que leva. Dirigido por Francesca Comencini. Interpretadores: Fabrizio gifuni, Romana Maggiora Vergano, Anna Mangiocavallo (filme, agora, Apple TV, Prime)
O filme de Francesca Comencini tem a graça de uma valsa e a força de um choque elétrico. No tempo, é preciso (que título agradável) um círculo fecha porque Francesca retorna à sua história pessoal, já contada em seu primeiro filme de piano, há muitos anos, com toda a distância certa possível. Mas, acima de tudo, o filme diz à sua extraordinária amizade (eu sou chamado) com seu pai Luigi, o diretor que faleceu em 2007 e pai de quatro filhas, teve por sua esposa: Eleonora, Cristina (também diretora), Paola (Scenografa, também deste filme) e Francesca, na fato, que é o jovem. No filme, nem as irmãs nem a mãe são vistas. É uma história seca para dois, um fragmento de discurso de amor, entre o grande diretor e a filha, o primeiro filho e depois a menina, em grande parte, ambientada em dois apartamentos essenciais (em Roma e depois em Paris). A menina é encantadora (e que boa Francesca para direcionar as crianças, uma das talentos que herdou de seu pai), vemos ela se mover no set da lendária televisão Pinocchio de Luigi e reconstruída por sua filha com amor e poesia: a cena da “luz sobre a cavalo” é o momento mais bonito do cinema italiano, visto esta ano.
Com a adolescência, o relacionamento entre Francesca e seu pai é complicado, dolorosamente. Ela se torna uma rebelde imprevisível, uma série irrealista, um pseudo revolucionário, atraído por aquele mundo em ruínas da segunda metade dos anos setenta, anos de sangue nas ruas e heroína nas veias de muitos meninos. Para salvá -la do abismo, driblando o castelo de Bugie típico de Toxici, assim como Geppetto perseguindo seu Pinóquio, seu pai chega e, com ele, cinema. O cinema é imóvel da salvação, mas ao mesmo tempo que um trabalho que não deve se tornar totalizando. Não acrescento mais nada: quando um filme foi bem -sucedido, você só pode aconselhá -lo a vê -lo.
Parthenope. Dirigido por Paolo Sorrentino. INTERSUTADORES: Celeste Dalla Porta, Dario Aita, Silvio Orlando, Gary Oldman, Luisa Ranieri, Isabella Ferrari. (Filmes, Netflix)
Parthenope é uma garota, mas ela também é uma personagem mitológica. Parthenope é uma idéia de Nápoles, feminilidade, juventude, vida. Neste filme, Sorrentino Anthologizza, sua imaginação na cidade natal e se apresenta para nós, uma foto após a outra, como no carrossel de um de seus lances mágicos pessoais. Depois de um filme amargo e doloroso, assim como a mão de Deus, que nos fez conhecer Sorrentino como era e quem estava antes de se tornar Sorrentino, aqui está o diretor de maturidade, um professor de grandes belezas e cenas já inesquecíveis. Vou listar alguns deles. Há Isabella Ferrari no papel de um professor de ator: ouviremos praticamente apenas a voz, o rosto coberto por véus e uma espécie de abajur. Há Luisa Ranieri que faz uma espécie de paródia de Sophia Loren com os limites de mau gosto, certamente dentro dos da malícia. Há Silvio Orlando no papel do professor de antropologia (há muita antropologia em Parthenope E não apenas porque existem personagens que lidam com isso) e é um Silvio Orlando diferente de como você o viu em outros filmes. Mais amargo, pior. Eu acrescento que, em comparação com a produção de Sorrentino, Parthenope Não é um certo filme radical. Mas a parte do enredo que pertence a Silvio Orlando é muito radical, faz a tela tremer. Finalmente, meu momento favorito: a reunião entre Parthenope (a revelação celestial da porta) e o bêbado John Chever (interpretado por Gary Oldman em um estado de graça, pena que está no palco pouco). Ela e seus jovens escandalosos pedem que ele fique. Mas ele será o único a sair, como se não quisesse infectar a garota com sua inexorável velhice, com seu declínio putrescente.
Vermilion. Dirigido por Maura Delpero. Interpretadores: Martina Scrinzi, Tommaso Ragno, Giuseppe de Domenico. (Filme, Sky E agora)
Estamos em uma vila montanhosa, Vermilion, de fato. Lá fora, há guerra. Ele está terminando e está no momento do último ano de conflito mundial, 1944, que os fatos ocorrem. A guerra é um barulho de fundo, você apenas sente, pelo menos até Pietro chegar ao país, um garoto siciliano, um desertor, que ficará sóbrio na família Graziadei. Numerosas família, o pai é o mestre (o único) da Escola de Vermiglio, sua esposa produz filhos continuamente. Uma das meninas Graziadei se apaixona por Pietro fatalmente. (Não vai acabar muito bem, mas não falamos com a incrível reviravolta com a qual o filme fecha). As outras irmãs estão negociando entre aspirações sufocadas e instintos, trabalhos e obediência ao pai mestre, que decide os destinos de todos e todos.
O filme é silencioso e lento, quase uma meditação sobre o passado e a natureza, em homens e mulheres, sobre o desejo e seus enganos. Vencedor do Silver Lion no último festival de cinema de Veneza e entrou na pequena lista dos melhores filmes estrangeiros do Oscar, Vermiglio é uma pérola de independência criativa. Delpero foi combinado com um ótimo nome de nosso passado cinematográfico, como Ermanno Olmi (para a escolha do dialeto e o cenário), o que certamente é um elogio, mas acredito que é um elogio limitante. Segundo trabalho de Maura Delpero, Vermiglio é um filme apenas em aparência em doce e doméstico, contemplativo, mas tem, no fundo, uma força furiosa, a força daqueles que, mulheres e homens, gostariam de gritar, mas não podem.
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